LAUBURU-CUATRO VISIONES- es una exposición colectiva que reúne a cuatro destacados artistas de los territorios históricos de Euskal Herría: Álava, Bizkaia, Gipuzkoa y Navarra. Las/los artistas Anabel Quincoces, Laura MM, Sara Ayesa y Florencio Alonso presentan en Zas Kultur (Vitoria-Gasteiz, España) una serie de obras que cruzan múltiples lenguajes artísticos, desde la pintura hasta la fotografía, pasando por la instalación e incluso la creación de imágenes mediante inteligencia artificial. Un grupo de artistas visionarios, inmersos en procesos de creación constante que involucran reflexiones profundas y vigentes. En esta exposición retoman de manera audaz cuestionamientos en torno a diversas dicotomías como: lo natural y lo artificial, el ser humano y la máquina, la creación analógica y la creación digital o la fotografía y la pintura. A través de argumentos diversos, cada proyecto se establece con autonomía conceptual y coexisten en el mismo espacio, generando al mismo tiempo, una atmósfera que desafía las estructuras de pensamiento dominantes, las cuales a menudo nos impulsan a obtener lecturas rápidas y superficiales de las imágenes. Esta exposición se caracteriza por su profundo interés en explorar las formas y métodos para desentrañar lo desconocido y desarrollar nuevas perspectivas de interpretación.

Sabemos que las imágenes son un conjunto de símbolos connotativos susceptibles de interpretación y algunos de estos símbolos logran sobrevivir al paso del tiempo. El Lauburu es uno de ellos, siendo una cruz de extremidades curvilíneas que es todo un emblema de Euskal Herria y la cultura vasca, un símbolo del que se tiene registro desde mediados del siglo XVII ya que fue utilizado como ornamento popular y aun hoy sobreviven vestigios de ello, pero del cual se desconocen sus orígenes. Su nombre proviene de las palabras en euskera lau: cuatro y buru: cabeza. Este “cuatrisquel”, propone mediante cuatro visiones, una mirada hacia los territorios históricos de Euskal Herria, presentando los procesos creativos autóctonos de cuatro artistas. Una exposición colectiva que encuentra en este símbolo un espacio identitario para hacer convivir cuatro propuestas que lejos de mantenerse estáticas ofrecen proyectos de carácter procesual e intenciones atomizadas, en donde las formas de interpretación de las obras son más bien una Hidra de Lerna que genera un sinfín de cuestionamientos de carácter ecléctico como por ejemplo : ¿en realidad es posible crear una imagen nueva en la actualidad? o ¿es posible saber cuántas imágenes existen y circulan en el mundo actual?

Las obras reunidas en esta exposición proponen una escritura en el tiempo, una escritura aparente, una marca, que me hace pensar en que la arqueología del futuro en unos miles de años tratará de descifrar nuestra sociedad a través de las ruinas de imágenes similares. Me gusta pensar en ¿que hace que algo sobreviva al paso del tiempo?, un objeto, una estructura, un pensamiento, un símbolo, una obra de arte, alguna forma de vida, una imagen etc.…nos hemos empeñado en conservar estas cosas para ser vistas en un futuro. Lo que no sabemos es cuánto tiempo estaremos en la tierra o si todo este esfuerzo por conservar cosas tiene algún sentido. En este contexto es pertinente hablar de ruinas de todo tipo, como Gerar Wajcman decía “La ruina es el objeto más la memoria del objeto, el objeto consumido por su propia memoria”. Lau buru-cuatro visiones nos reta a mirar más allá de la superficie, nos insta a la introspección y a explorar la riqueza de significados que yace en las capas más profundas de las obras, un lugar en el que se trascienden las interpretaciones convencionales e invita a los espectadores a participar activamente en la creación de conexiones, especulaciones y teorías, que fomentan un pensamiento crítico y la disposición para adentrarse en un espacio metafísico…y quizás nunca salir de él.

En conjunto, esta exposición reúne obras que exploran y cuestionan per se el acto de “crear” planteando una pregunta común sobre el medio técnico utilizado en las obras, un lugar en donde la pintura recupera su espacio conceptual y va más allá de la mera representación. Estas imágenes permiten la construcción de modelos de pensamiento complejos que contrastan con las nuevas tecnologías, donde la inteligencia artificial emerge como una caja de pandora en el horizonte de la humanidad. En última instancia, esta exposición nos presenta imágenes que provocan más preguntas que certezas, como diría Deleuze, “cada época tiene la verdad que se merece”.

Texto por: Jesús Ramírez.

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SOBRE LAS ARTISTAS Y LAS OBRAS PRESENTADAS EN LAU BURU-CUATRO VISIONES:

Florencio Alonso, Estella/Lizarra, 1961.

En esta ocasión el artista presenta parte de las obras que componen la serie “Periferia”. Una pintura de 162 x 162 cm realizada en acrílico y carborundo sobre tela, además de dos obras de menor formato, 60 x 60 cm cada una, las cuales están realizadas con acrílico y carborundo sobre tabla.

Florencio Alonso realiza su primera exposición a los 16 años en la Sala de Cultura de la Caja de Ahorros de Navarra. En 1977 ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona en la especialidad de cerámica y dibujo. En 1995 expone su obra en la Universidad Popular de Aquisgrán (Alemana), y en 1999 es invitado a participar en la II Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia (Italia). Simultáneamente comparte taller con otros artistas en el Centro de Arte Contemporáneo Arteleku Donostia/San Sebastian, compaginado la experimentación con la pedagogía como profesor de artes plásticas. Entre 1997 y 2007 expone regularmente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO en Madrid, DFOTO Palacio de Congresos Kursaal Donostia, Digital and Video Art Fair DIVA (New York) con la Galería Moisés Pérez de Albéniz. Mostra Unión Fenosa, A Coruña. Premio FOCUS de Pintura, Sevilla. Museo Bonat, Bayona. Parlamento Europeo, Bruselas (Bélgica). En exposiciones individuales hay que destacar en 1997 Galería Lekune, Pamplona. 2000 Sala Juan Bravo, Madrid. 2003 Museo de Navarra. 2005 Galería Moisés Pérez de Álbeniz, Pamplona. 2007 Museo Gustavo de Maeztu, Estella/Lizarra. 2011 Fundación Museo Jorge Oteiza en Alzuza . 2015 Bizkaia Aretoa Universidad del País Vasco, Bilbao. 2018 Sala de Cultura Portalea, Eibar. 2019 El Sario de la UPNA, Pamplona. 2020 Sala Apaindu, Pamplona. 2022 Pabellón de Mixtos Ciudadela de Pamplona. Su obra ha sido seleccionada y adquirida por la Colección Testimonio de La Caixa de Barcelona, Museo de Navarra, Colección Plástica Contemporánea de Vitoria/Gasteiz, Colección de Arte Contemporaneo del Ayuntamiento de Pamplona, Mostra Unión Fenosa, Fundación Focus, Bienal 17 de Pintura Ciudad de Zamora, V Bienal de Pintura, “Ciudad de Albacete, Fundación Caja Rioja, Fundación Miguel Hernández, Fundación Caja Navarra, Museo Gustavo de Maeztu, Bodegas Valcarlos (Navarra), Mancomunidad de Aguas de Montejurra, así como diversas colecciones privadas.

Laura Martínez Martin, Bilbao, 1985.

Mediante la unión de las series “Trendic Topic” Y “Rosal-ia”, Laura MM presenta unas series de imágenes impresas y troqueladas de 21 x 27 cm cada una, junto con una imagen generada mediante inteligencia artificial de 100×128 cm.

Laura MM posee una licenciatura en Ingeniería Técnica Informática (UPV-EHU, 2008), un Máster en Diseño Gráfico (IDEP Barcelona, 2022), y grados tanto en Bellas Artes como en Arte Contemporáneo Tecnológico y Performativo (UPV-EHU, 2021 y 2022 respectivamente). Actualmente, está avanzando en su doctorado centrado en Investigación en Arte Contemporáneo (UPV-EHU, 2023).

Ha realizado intervenciones en el Museo Marítimo de Bilbao (2019 y 2021) y ha tenido una exposición individual en el Centro Cultural Montehermoso (Febrero 2023). Además, ha contribuido en exposiciones colectivas notables, incluyendo ‘Perdón, pero parece porno, piénsatelo’ en el Bizkaia Aretoa de Bilbao (Abril 2022) y el Festival Audiovisual Obrero LAN con su cortometraje «¿Tienes un minuto?» (Mayo 2022)

Sara Ayesa, Donostia, 1997.

Para este proyecto la artista presenta una serie titulada “Zereko zera zertan dela”, la cual esta conformada por pinturas de múltiples formatos realizadas en oleo sobre papel que incluyen dos pinturas de gran tamaño: 114 x 157 cm y 144 cm x 193 cm.

Sara Ayesa realiza el Grado en Arte y el Máster en Pintura en la Universidad del País Vasco. En 2019 participa en el taller impartido por Itziar Okariz y Jon Mikel Euba y en 2021 en el seminario Harri, Orri, Ar organizado por laSIA. En 2022 es artista residente en Tabakalera. Muestra sus obras en exposiciones como “Boogity Shu” en las Juntas Generales de Bizkaia, “Under grass” dentro del programa HARRIAK, “Karaoke” en AZPI Kultur Elkartea y “Vestirme mal y desvestirme mucho” en Montehermoso Kulturunea.

Anabel Quincoces, Vitoria-Gasteiz, 1968.

Con la serie “Meninas Gardem” la artista presenta obras de múltiples dimensiones realizadas en vidrio soplado, fotografías en papel montadas en madera y pinturas en óleos sobre tabla.

Anabel Quincoces es licenciada en Bellas Artes en las especialidades de Pintura y Técnicas Audiovisuales, por la facultad de Bellas Artes del País vasco en Leioa.

En su penúltimo año de carrera estuvo becada en una residencia en Bolonia, Italia, con el artista Guiseppe Maraniello donde entro en contacto con artistas del Movimiento Povera. En su último año de carrera, viajo a Berlín donde expuso en la muestra “Rapid Eye Movement”, utilizando su propia imagen, también formo parte del movimiento con dicha temática desarrollado en los años 90 en Bilbao y en Vitoria (exposiciones “La Imagen de Si” Galeria Windsor y “Interiores” Galeria Trayecto).

En esas tres muestras comenzó con las instalaciones artísticas, aunando la fotografía en grandes dimensiones con el video y piezas escultóricas. Paso varios años en Arteleku en su estudio propio.

Tras su paso por la facultad de Bellas Artes de Barcelona con el curso de Postgrado “De la Impronta Grabada, a la Impronta Digital”, viajo a la School of Visual Arts de Nueva York y descubro un nuevo material, el vidrio.

Tras quedar fascinada por él y ver sus similitudes con el videoarte, empezó a usarlos en trabajos que materializo en la exposición “Vidreo(e)Motions” en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria, para después viajar por Francia y Suecia donde trabajo con especialistas en el vidrio. Ya en 2002, gano el Premio Recursos de Producción del XVII Festival Audiovisual de Vitoria-Gasteiz al mejor video realizado por un autor vasco.

De los años 2007 a 2009, realizo dos esculturas monumentales de carácter permanente, una en el Museo Artium de Vitoria: “Water Flames Flowing” y “Argi Basoa” escultura exterior en la plaza de la Provincia de Vitoria.

He expuesto individualmente (11 exposiciones) en El País Vasco y Francia, y colectivamente (63).

Desde el 2011, centro su investigación y práctica artística en las instalaciones con la temática del agua y sus habitantes, las mutaciones y transmutaciones que desarrollan para lograr sobrevivir. En 2018, realizo la primera parte de Transmutación11, en el Depósito de Aguas del Centro Cultural Montehermoso. En 2019 trabajo en el Proyecto Eskualdea 2019 donde desarrollo el proyecto “Memorias de Azufre Y sal.

En 2022, desarrollo el proyecto Hydra, en el Depósito de Aguas del centro cultural Montehermoso.

 Haz click aquí para ver las fotos realizadas por Ibon Sáenz de Olazagoitia: https://photos.app.goo.gl/jB2eQt2yssfHzxLD9